Sur le circuit des compétitions, lorsqu'un danseur exécute avec succès un nouveau « tour » sur scène, c'est quelque chose que tous les autres danseurs doivent ensuite aspirer à reproduire, afin de maintenir la barre toujours plus haute qui est fixée. La pression pour rester à jour est énorme, car le danseur – et le professeur – ont alors l’impression de s’éloigner du centre de la norme. Chez certains danseurs, cela signifie qu’ils poussent et sont poussés à exécuter des mouvements qui sont hors de leur âge ou de leur gamme de souplesse, représentent si souvent un danger pour ce qui a commencé comme une activité compétitive, mais amicale.
De l’autre côté de la table, la majorité des juges préféreraient voir des lignes et des pas plus simples et plus nets sur scène dans les chorégraphies de compétition plutôt que des figures, en particulier celles qui ne sont pas encore prêtes. Un entraînement long et systématique est essentiel pour réaliser des mouvements impressionnants et les réaliser. avec émerveillement : les danseurs qui simulent des mouvements et qui se blessent même sur scène en essayant des choses hors de leur portée ne sont pas ce que l'industrie devrait promouvoir.
De nombreux élèves tentent des mouvements avant que la coordination et la force nécessaires à leur réalisation ne soient suffisamment développées, en termes de reconnaissance musculaire et de connexions plus rapides entre le cerveau et le corps. Le corps des danseurs a besoin de temps et de répétitions pour se développer avec succès et on identifie parfois des danseurs plus âgés comme ayant développé de mauvaises habitudes et des blessures à cause d'une trop grande cadence ou d'un manque d'entraînement de développement vital. Leur combat les oblige à revenir aux bases et à réapprendre.
Quand la difficulté doit-elle prendre le pas sur l’exécution ?
Pour faire court, la difficulté ne devrait jamais précéder l'exécution d'un mouvement ou d'une combinaison de danse. Bien que les compétitions de haut niveau exigent de plus en plus de la part des danseurs, il est finalement plus important d'exécuter la danse correctement et avec une grande qualité, plutôt que de se battre avec quelque chose de trop difficile - cela ne reflète pas bien.
Sur le circuit des compétitions, lorsqu'un danseur exécute avec succès un nouveau « tour » sur scène, c'est quelque chose que tous les autres danseurs doivent ensuite aspirer à reproduire, afin de maintenir la barre toujours plus haute qui est fixée. La pression pour rester à jour est énorme, car le danseur – et le professeur – ont alors l’impression de s’éloigner du centre de la norme. Chez certains danseurs, cela signifie qu’ils poussent et sont poussés à exécuter des mouvements qui sont hors de leur âge ou de leur gamme de souplesse, représentent si souvent un danger pour ce qui a commencé comme une activité compétitive, mais amicale.
De l’autre côté de la table, la majorité des juges préféreraient voir des lignes et des pas plus simples et plus nets sur scène dans les chorégraphies de compétition plutôt que des figures, en particulier celles qui ne sont pas encore prêtes. Un entraînement long et systématique est essentiel pour réaliser des mouvements impressionnants et les réaliser. avec émerveillement : les danseurs qui simulent des mouvements et qui se blessent même sur scène en essayant des choses hors de leur portée ne sont pas ce que l'industrie devrait promouvoir.
De nombreux élèves tentent des mouvements avant que la coordination et la force nécessaires à leur réalisation ne soient suffisamment développées, en termes de reconnaissance musculaire et de connexions plus rapides entre le cerveau et le corps. Le corps des danseurs a besoin de temps et de répétitions pour se développer avec succès et on identifie parfois des danseurs plus âgés comme ayant développé de mauvaises habitudes et des blessures à cause d'une trop grande cadence ou d'un manque d'entraînement de développement vital. Leur combat les oblige à revenir aux bases et à réapprendre.
Sur le circuit des compétitions, lorsqu'un danseur exécute avec succès un nouveau « tour » sur scène, c'est quelque chose que tous les autres danseurs doivent ensuite aspirer à reproduire, afin de maintenir la barre toujours plus haute qui est fixée. La pression pour rester à jour est énorme, car le danseur – et le professeur – ont alors l’impression de s’éloigner du centre de la norme. Chez certains danseurs, cela signifie qu’ils poussent et sont poussés à exécuter des mouvements qui sont hors de leur âge ou de leur gamme de souplesse, représentent si souvent un danger pour ce qui a commencé comme une activité compétitive, mais amicale.
De l’autre côté de la table, la majorité des juges préféreraient voir des lignes et des pas plus simples et plus nets sur scène dans les chorégraphies de compétition plutôt que des figures, en particulier celles qui ne sont pas encore prêtes. Un entraînement long et systématique est essentiel pour réaliser des mouvements impressionnants et les réaliser. avec émerveillement : les danseurs qui simulent des mouvements et qui se blessent même sur scène en essayant des choses hors de leur portée ne sont pas ce que l'industrie devrait promouvoir.
De nombreux élèves tentent des mouvements avant que la coordination et la force nécessaires à leur réalisation ne soient suffisamment développées, en termes de reconnaissance musculaire et de connexions plus rapides entre le cerveau et le corps. Le corps des danseurs a besoin de temps et de répétitions pour se développer avec succès et on identifie parfois des danseurs plus âgés comme ayant développé de mauvaises habitudes et des blessures à cause d'une trop grande cadence ou d'un manque d'entraînement de développement vital. Leur combat les oblige à revenir aux bases et à réapprendre.